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Nous sommes en Italie dans l’immédiat après-guerre, il y a encore des soldats américains dans les rues de Rome, les tickets de rationnement sont toujours d’actualité, la condition féminine n’est pas la priorité du pays… Si nous en doutions ce film en noir-et-blanc suit la vie d’un couple modeste, Ivano et Delia avec leurs trois enfants et le grand-père (père d’Ivano).

Lui est un beauf complet, violent contre sa femme qu’il bat comme plâtre et à qui il distribue une claque monumentale tous les matins au réveil, mais qui se sent légitime car il a fait les deux guerres et ne voit pas pourquoi les choses changeraient dans une société européenne enfermée dans un patriarcat qui dure depuis des siècles… Delia quant à elle courre toute la journée pour essayer de grapiller quelques sous entre les piqures administrées aux malades, de petits travaux de couture, sa copine du marché, les commères dans la cour de son immeuble, sa famille à nourrir, le grand-père à soigner et les colères violentes du mari qui s’en prend à elle pour tous motifs, la traitant plus bas que terre comme sa fille d’ailleurs dont il refuse qu’elle fasse des études car elle est femme, et dont il doit approuver le mariage. Fort et brutal, mais effondré devant le cadavre de son père qui a eu la mauvaise idée de rendre l’âme le jour qu’il ne fallait pas

Le sujet de la maltraitance des femmes est abordé ici gravement mais avec beaucoup d’humour. La famille italienne est caricaturée sans doute avec vérité. Les séances de violence sont tournées en dérision en un tango sinistre joué par les deux époux. Le rôle du mari est magnifiquement joué en personnage moustachu, buté et primaire. La fin est inattendue et plutôt optimiste.

En 2024, si l’on en juge par le nombre de femmes en France qui meurent encore sous les coups de leurs maris, le combat féministe est encore loin d’être définitivement gagné. Mais la vraie vie est sans doute bien moins drôle que ce film italien très réussi qui rencontre un grand succès en Italie.

Au cœur du confinement décidé en 2020 en France pour lutter contre la pandémie de Covid, Jean-Marc Barr et Pascal Arnold ont tourné cette histoire dans un hôtel de luxe déserté par ses clients habituels. Ils imaginent que le gérant et l’un des propriétaires (joué par Jean-Marc Barr) accueillent trois escort (deux filles et un garçon homosexuel), prostitués plus ou moins provisoirement par besoin mais aussi parfois un peu par désir, qui « travaillent » dans les chambres vides où ils reçoivent leurs clients. On voit ainsi défiler une population bigarrée, plutôt favorisée, et on partage les réflexions des escort sur leurs vies et leurs clients. Une comédie légère et pleine d’humour.

Nous sommes au XVI^e siècle en Angleterre, Henri VIII (1491-1547), joué par Jude Law, est en fin de règne, physiquement très malade, progressivement gagné par la gangrène, il a déjà fait guillotiner deux de ses épouses pour trahison, exilé deux autres, la cinquième étant morte de maladie. Sa sixième épouse, Catherine Parr (1512-1548), jouée par Alicia Vikander se tire du procès en hérésie menée contre elle par le Roi et son âme damnée le cardinal Gardiner, elle survivra quelques mois à son époux. La fin du film montre son extraction de la prison pour répondre à la demande du Roi, agonisant, qui veut la voir seule sur son lit de mort pour s’assurer de sa loyauté et de son amour. Le scénario imagine qu’elle accélère sa fin, hypothèse non confirmée par les historiens.

L’atmosphère du film est sombre, se déroulant soit en extérieur sous un ciel gris envahi par le brouillard, soit dans un château uniquement éclairé à la bougie. Nous sommes en Angleterre… Tout ce petit monde se débat dans des interrogations sans fin sur la religion. Henri VIII va d’ailleurs faire passer son royaume de la croyance catholique vers son pendant protestant, évolution notamment déclenchée par le refus du pape d’annuler son premier mariage avec Anne d’Aragon qui échouait à lui donner un héritier.

Avec sans doute un peu de fantaisie par rapport à la véritable histoire ce film retrace les méandres d’une époque où les litiges politiques se réglaient à coups de décapitations et les relations entre Etats étaient basées sur des guerres sauvages et sans fin. Et au-dessus de tout, la religion dictait des dogmes qui s’imposaient à la politique. Mais c’est ainsi que se s’est constituée notre vieille Europe, même si certaines frontières sont encore disputées aujourd’hui, parfois par les armes, le continent est à peu près stabilisé. Il vaut certainement mieux vivre aujourd’hui que sous Henri VIII…

Arte-TV nous fait le plaisir de mettre à disposition gratuitement sur son site web le film de Rohmer. Et l’on se replonge dans ce film délicieux de 1984 merveilleusement joué par Pascale Ogier (1958-1984), toute en fragilité et indécision, face à l’amour, l’amitié, la vie urbaine, la tranquillité de la banlieue de Lognes, l’excitation des soirées parisiennes. Elle tente de conduire sa vie pour réconcilier tous ces contraires. Son amoureux possessif est plus intéressé par le tennis que les nuits au Palace, son ami journaliste parisien ne refuserait pas un peu plus d’intimité, un amant musicien-saxophoniste-musclé (lui aussi) de passage… Pas facile de trouver sa voie dans tout ce chaos. Et lorsqu’elle croit l’avoir tracée, entre la banlieue où elle vit avec son amoureux tennisman et son petit appartement dans la capitale où elle rencontre ses compagnons de sorties parisiennes, elle découvre qu’à Lognes l’oiseau s’est envolé avec une autre. Tout se termine dans les larmes.

Le film nous replonge dans la nostalgie des années 1980 : Elli & Jacno dans les soirées (qui compose la bande originale), les bistrots un peu crasseux, les Renault 16 dans les rues, les cités clinquantes dans les banlieues pas encore dévastées. Pascale Ogier figure aussi au générique pour les costumes et les décors où elle affiche la même sensibilité que dans le rôle principal qu’elle joue. Hélas la vraie vie la rattrape et elle décède quelques mois après la sortie du film, à 25 ans, de retour d’une soirée au… Palace, alors haut lieu des soirées et des concerts parisiens ainsi que des excès et extravagances d’une époque désormais révolue. Officiellement elle souffrait d’un souffle au cœur qui l’aurait emportée.

Ces « Nuits de la pleine lune » sont définitivement mélancoliques.

Le film d’Isabelle Brocard revient sur la relation passionnelle et intrusive que Madame de Sévigné (jouée par Karin Viard) partageait avec sa fille Françoise (jouée par Ana Girardot) au XVII^e siècle. Louis XIV règne à Versailles et toute une aristocratie désœuvrée se presse à ses fêtes où, dans l’une d’elle, le Roi essaye de séduire Françoise. Sa mère, féministe avant l’heure, met fin à cette tentative de Louis et, pour la mettre à l’abri, marie sa fille à un noble désargenté qui l’installe en Provence dans son château de Grignan. Il va s’en suivre une intense correspondance entre la mère et la fille, la première voulant accaparer la seconde qui cherche à se défaire de cette emprise morale et affective.

Cette correspondance conservée par la fille sera publiée après la mort de sa mère en 1696 donnant ainsi le statut d’épistolière à Mme de Sévigné, qui traversera les temps. On écrivait beaucoup à l’époque et ces lettres font aussi un peu la chronique d’une époque de la noblesse française. Ses lettres furent parfois partagées de son vivant dans son petit milieu, déclenchant des réactions inattendues dans une cour royale futile et avide de cancans.

Le film insiste sur la relation mère-fille, parfois destructrice. Mme de Sévigné, veuve depuis ses 25 ans, rêve de liberté pour sa fille mais lui arrange un mariage « de raison » avec un homme intéressée par sa dot confortable. Françoise l’aimera finalement de façon plutôt classique et sincère. Elle lui donnera neuf enfants et… sa fortune. Devant cette mère exclusive et exigeante, excessivement aimante, le couple comprendra son influence néfaste sur la santé psychique et physique de Françoise. Son mari exigera qu’elles rompent leurs relations, ce qu’elles feront tout en continuant à s’écrire pour transcender cette séparation. On apprend grâce à Wikipédia que la fille accueillera sa vieille mère ne Provence pour la fin de vie.

Le film est agréable. Sans doute la lecture des Lettres de Madame de Sévigné sera encore plus instructive pour comprendre une époque et s’imprégner du style épistolaire de l’auteure que l’on dit travaillé et original.

Un film romantique qui fait l’éloge de la lenteur. Matthieu, acteur célèbre (joué par Guillaume Cannet) se repose de sa vie parisienne avec une thalassothérapie dans un village breton en plein hiver lorsqu’il retrouve par hasard une ancienne amoureuse italienne Alice (jouée par Alba Rohrwacher) qu’il avait quittée, sans doute un peu brutalement il y a une quinzaine d’années. Ils partagent quelques journées dans cet environnement désert où il y a plus de mouettes que d’humains sur fond de mer agitée et de grands espaces marins.

Ils ont chacun fait leur vie, lui dans le milieu clinquant du cinéma parisien, elle, professeur de piano, mariée avec un médecin dans ce village du bout du monde. Ils vont renouer avec cet amour passé, elle avec toute sa sensibilité et la souffrance de cette séparation jamais vraiment digérée, lui se rendant compte de ce qu’il a infligé à Alice et s’en excusant. Et alors qu’ils se séparent une nouvelle fois pour revenir chacun à leur vie d’avant cette rencontre impromptue, elle lui fait promettre de ne plus jamais revenir. Ils se quittent, reconnaissants de ce qu’ils ont vécu et dit ces quelques jours et qui a probablement surpassé en intensité et en vérité toute leur vie commune d’antan. Ils ont ainsi clos avec élégance cette union commencée il y a quinze ans. La souffrance et les regrets vont ainsi mieux se dissoudre avec le temps, loin des reproches qui affleuraient.

Un film doux comme un vol de mouettes immobiles dans l’azur, surfant sur le vent qui agite des vagues.

Nous sommes au Japon, une société qui parait immobile, ancrée dans ses traditions, empesée dans son protocole et pas toujours très compréhensible pour l’Occident, quand le personnage principal du film, une femme se nommant Rie, découvre que l’homme qu’elle a récemment épousé, dont elle a eu une fille et qui est décédé accidentellement, n’est pas celui qu’il disait être. S’en suit toute une série d’interrogations existentielles, de quiproquos juridiques, de remises en cause fondamentales du passé et de l’amour partagés. Qui est cet homme décédé ? Qui est celui qui portait le nom qu’il s’est approprié ? Rie demande à son avocat de mener l’enquête. Celui-ci, d’origine coréenne, fait lui-même face à quelques difficultés de positionnement dans une société japonaise pas vraiment en paix avec son histoire coréenne. L’enquête aboutit mais les dernières images du film montrent un dialogue de l’avocat dans un bar qui plonge à nouveau les spectateurs dans la confusion…

Comme souvent dans les réalisations asiatiques, le scénario se déroule tout en douceur et en retenue. On a le sentiment que l’on devrait s’ennuyer mais non, il s’agit juste d’une façon d’être, de se mouvoir, de s’exprimer, endossée par des acteurs qui sont en symbiose avec leurs cultures et leurs sociétés. Ils abordent ici avec délicatesse les questions parfois vertigineuses posées par le passé et la situation de ceux qui cherchent à manipuler ce passé pour changer le présent.